Los fans de Taylor Swift critican su enfoque “capitalista” de la música

Han pasado solo dos semanas desde el lanzamiento de The Life of a Showgirl, el duodécimo álbum de Taylor Swift, y ya circulan más de 30 versiones alternativas.

Desde ediciones limitadas con portadas exclusivas hasta versiones acústicas de los temas más populares, todo indica que la cantante, de 35 años, está decidida a llevar este álbum al éxito absoluto (¿y por qué no lo estaría?).

Lanzado el 3 de octubre, el disco incluye 12 canciones producidas por Max Martin y Shellback, los mismos colaboradores detrás de 1989 y Red.

Desde entonces, Swift ha comenzado a lanzar versiones “alternativas” de algunas de las canciones favoritas del público, lo que sugiere una estrategia clara para mantener el interés y la conversación en torno al álbum.

Sin embargo, la estrategia no ha estado exenta de críticas. Algunos fans, con mirada más escéptica, sostienen que el capitalismo ha pasado a ocupar el centro de su propuesta, desplazando el foco de la música en sí.

“¿Otra ‘versión especial’ disponible solo por 24 horas? Esto no es nostalgia ni arte, es una táctica comercial deliberada. A estas alturas, los lanzamientos de Taylor parecen más movimientos bursátiles que música”, comentó una persona tras el anuncio de The Life of a Showgirl (DELUXE Alone In My Tower Acoustic Version).

Otra opinó: “Me gusta Taylor Swift, pero nadie necesita 12 portadas diferentes para un mismo álbum. Ya sé que nadie te obliga a comprarlas, pero alguna niña pequeña está obligando a sus padres a hacerlo. Si cualquier otro artista hiciera esto, ya lo estarían destrozando.”

Una tercera persona fue aún más dura: “Cada vez que creo que dejó de exprimir las mismas canciones, aparece con otro ‘CD limitado’. ¿Reina del marketing o víctima de su propia fórmula? Imaginen lanzar cuatro versiones del mismo tema y llamarlo ‘arte’. El capitalismo nunca sonó tan acústico”.

Una cuarta fan comentó: “Te quiero, pero esto ya es demasiado. La gente no tiene dinero ahora mismo para comprarte el álbum una y otra vez, aunque igual lo harán. ¿Por qué no mejor regalas descargas a quienes ya lo compraron?”.

Hay un argumento que juega a favor de Swift: si fuera hombre, su estrategia —tildada de “calculadora”— probablemente se vería como “inteligente”. Y no es la única que la ha usado. Solo en lo que va del año, Sabrina Carpenter con Man’s Best Friend y Cardi B con Am I The Drama? también han apostado por este mismo enfoque de marketing que Swift ha venido aplicando desde hace tiempo.

Sin embargo, tratándose de alguien con una base de fans mayoritariamente joven —y, por tanto, más influenciable—, y que además ya tiene el estatus de multimillonaria, surge una pregunta legítima: ¿dónde se traza el límite?

Es claro que los artistas enfrentan hoy una fuerte presión por el auge del streaming, una forma de consumo más barata y sin compromiso que dejó atrás los días en que comprábamos discos. En ese contexto, muchos artistas sienten que deben gustarle a todo el mundo, incluso si eso significa alejarse de quienes siempre los han apoyado.

Esta lógica no se limita a la industria musical. Sectores como el del cómic también han sido cuestionados por querer satisfacer una demanda constante de contenido.

Sin embargo, esa estrategia choca con una realidad cada vez más evidente: muchos consumidores están rechazando el exceso. Cuando los artistas intentan atraer a todos, corren el riesgo de no conectar con nadie y eso puede frustrar a quienes siguen ahí por la música, no por los productos coleccionables.

Al final, la música se trata de conectar. Si los fans valoran la autenticidad por encima de la saturación, entonces los álbumes no deberían ser una excusa para vender más, sino una forma de recordar por qué alguien empezó a escucharte en primer lugar.

Traducción de Leticia Zampedri