Los 40 mejores álbumes del año 2020: Desde Bob Dylan hasta Taylor Swift

A pesar de que la industria de la música fue uno de los sectores más afectados durante la pandemia, los artistas han ido más allá con los álbumes para ayudarnos a superarlo. The Independent elige sus 40 favoritos

martes 22 diciembre 2020 16:26
<p>Los 40 mejores álbumes de 2020</p>

Los 40 mejores álbumes de 2020

Read in English

La palabra "sin precedentes" se usó mucho en 2020. Y en muchos sentidos, sí, fue un año de primicias. Pasamos el verano sin intentar adivinar el clima para la temporada de festivales. Los clubes y locales de música se cerraron de una vez. Taylor Swift, que una vez planeó sus campañas de lanzamiento como un general militar, lanzó no uno sino dos álbumes sorpresa.

En otros aspectos, sin embargo, fue un año de regreso. La gente se encontró reconectando con viejos amigos, familiares y con la naturaleza. Los artistas exploraron esto de innumerables formas en los álbumes que nos han ayudado a mantenernos cuerdos durante la pandemia, desde el dance-pop maximalista que convirtió las cocinas en clubes nocturnos, hasta los registros introspectivos que preguntaban qué nos quedaba cuando nos quitan lo familiar.

Ha sido un año particularmente fuerte para las artistas femeninas. La rapera Megan Thee Stallion mostró fuerza de carácter en su desafiante y brillante debut Good News, mientras que la artista electrónica galesa Kelly Lee Owens defendió de manera convincente la soledad. Lady Gaga, Dua Lipa, Georgia, Jessie Ware y Róisín Murphy nos dieron música para bailar, como Phoebe Bridgers, Charli XCX, Adrianne Lenker, Hayley Williams y Fiona Apple se negaron a simplificar demasiado sus complicadas emociones.

Hubo algunas ofertas de bandas fantásticas, desde Fontaines DC hasta Code Orange y Everything Everything. También para el rap fue un buen año para los artistas que optaron por desafiar las tendencias dominantes y arriesgarse. Los músicos Moses Sumney, Perfume Genius y Bad Bunny deshicieron las trampas de la masculinidad tóxica, mientras que veteranos como Bruce Springsteen y Bob Dylan, cada uno a su manera, encontraron formas de brindar comodidad.

Desde el trap latino hasta el metal industrial, el country y la discoteca hasta el pop total, estos son los álbumes del año 2020 de The Independent.

Reseñas de: Helen Brown, Roisin O'Connor, Alexandra Pollard, Mark Beaumont, Elisa Bray, Adam White, Brittny Pierre y Bessie Yiull

40) Soccer Mommy - Color Theory

En Color Theory, Sophie Allison reflexiona sobre la infancia, la salud mental y los problemas familiares con un sonido recientemente refinado. Sobre guitarras nostálgicas y tintineantes, describe cómo "no puede borrar el tono" de los ojos de su madre enferma terminal, una imagen que cualquiera que haya tenido que lidiar con la muerte de un ser querido encontrará inquietante. Sus coros son pegadizos, siempre, y aparecen como rayos de sol de la mañana en un álbum que no teme jugar con la oscuridad.

39) Victoria Monet - JAGUAR

Con solo ocho pistas, JAGUAR ofrece una experiencia auditiva breve, pero tremendamente sexy que incorpora música disco brillante y funk suave. A menudo adopta lo que se describiría como una mirada tradicionalmente masculina: segura, descarada, asertiva. Monet sabe lo que quiere y exactamente cómo conseguirlo. Ciertas canciones son tan explícitas, entregadas con voces melosas y sedosas, que es probable que hagan sonrojar a la audiencia de Monet. JAGUAR es un debut seductor que la marca como una fuerza impulsora entre la nueva generación de R&B.

38) Hayley Williams - Petals For Armor

Insular y escaso, con un funk distorsionado que se siente deliberadamente desorientador, Petals for Armor está lejos de los himnos de los estadios de principios de Paramore. En canciones como "Cinnamon" y "Sugar on the Rim" hay un toque incómodo en las melodías de Williams. Al igual que Fiona Apple o St Vincent, se niega a poner una puntuación fácil a sus propias emociones complicadas. 

37) Code Orange – Underneath

El álbum de Code Orange, nominado al Grammy de 2017, Forever, fue un infierno abrasador, lo que convierte a Underneath de 2020 en un páramo industrial con fallas. Varias pistas están cargadas de voces distorsionadas, a menudo indescifrables, pero la banda estadounidense ha optado por dejar otras áreas limpias, con más melodía y mayor calma entre las vorágine. En esencia, Underneath se trata de retirar las capas y descubrir qué hay debajo de la superficie, ya sea que te guste lo que encuentres o no.

36) Nadine Shah - Kitchen Sink

Kitchen Sink ofrece las agudas observaciones sociales que se escuchan en Holiday Destination nominado a Mercury de Shah en 2017, que entregó un post-punk inquietante sobre la crisis de los refugiados. Y aunque Shah nunca ha tenido miedo de decir lo que piensa, Kitchen Sink logra hacer que los detalles más íntimos de la vida cotidiana parezcan amplios y profundos. Es un cóctel fuerte, adornado con un toque de limón de su característico humor irónico.

35) Charli XCX - How I’m Feeling Now

Durante los últimos 10 años, Charli XCX ha desarrollado una especie de actitud de “uno para mí, uno para ellos” hacia el popstardom, bailando al borde de la corriente principal en un momento y sumergiéndose en el underground al siguiente. How I'm Feeling Now cae en el último campo: temerario, desinhibido, aventurero. Al igual que el encierro en sí, How I'm Feeling Now puede ser abrumador, incluso provocar pánico, cuando se toma en su conjunto. Es un verdadero logro.

34) Lianne La Havas - Lianne La Havas

Si bien la mayoría de las estrellas del pop se volvieron maximalistas durante un año que vació todos los clubes, bares y locales de música, Lianne La Havas lo despojó de todo. Su tercer álbum de ensueño y homónimo, inspirado en un romance vertiginoso y la consiguiente ruptura, coloca la voz conmovedora y canturreada de La Havas en el corazón de la misma, al tiempo que agrega hermosas texturas a la instrumentación. En todo momento, ella se desnuda; la vulnerabilidad de este disco lo convierte en una escucha increíblemente poderosa.

33) Georgia - Seeking Thrills

En el segundo álbum de Georgia, rinde homenaje a la embriagadora libertad de la pista de baile. Basándose en gran medida en el house de Chicago y el techno de Detroit de los años ochenta, Seeking Thrills es una dosis embriagadora de nostalgia sónica. “Honey Dripping Sky” es el bajón después del ambiente festivo de los temas anteriores. Georgia empalma el ritmo y tuerce los sintetizadores en un espeluznante paisaje fatal, pero es extrañamente reconfortante: su recordatorio de que aunque esta noche puede haber terminado, siempre hay un mañana.

32) The Big Moon - Walking Like We Do 

Donde el exitoso debut del cuarteto londinense envolvió su sensibilidad pop en guitarras difusas y rellenos de batería, Walking Like We Do es menos destartalado. Esas letras irónicas y melodías aceleradas todavía están ahí, pero las guitarras están más apagadas, la producción un poco más nítida. Incorporar las preocupaciones mundanas, sobre política, clases sociales y la crisis climática, con las molestias cotidianas que conlleva ser una persona de veintitantos años, es un álbum del que estar orgulloso. 

31) Chris Stapleton - Starting Over

La estrella de la música country reconcilia con éxito su lado más rebelde con su carácter hogareño y sal de la tierra. Como siempre, la composición de Stapleton es económica y aborda los temas favoritos con una sensibilidad desgastada; La producción de su colaborador Dave Cobb, otro de los mejores de Nashville, nunca se embellece demasiado. Incluso entre las joyas de la música country que ya se lanzaron este año, Stapleton se siente como un pequeño milagro.

30) Bob Dylan - Rough and Rowdy Ways

El primer material nuevo de Dylan desde Tempest de 2012 es una recitación folclórica de referencias literarias y pop que se extienden sobre canciones largas y destartaladas. Sus melodías mínimas (en su mayoría acústicas) se balancean hacia adelante y hacia atrás como cortinas en una ligera brisa. Las citas de Homer, Shakespeare y Blake se mezclan con guiños a Stevie Nicks y Patsy Cline. Es un ajuste relajante para el estado de ánimo de encierro en el que el tiempo y el significado se sienten extrañamente estirados y sin ataduras.

29) Kelly Lee Owens - Inner Song

En su segundo álbum de producción propia, Inner Song, la artista galesa explora lo que queda si los humanos quedan fuera de la ecuación. Los pulsos y ritmos electrónicos que impulsan el disco están lejos de ser artificiales: imitan, en ocasiones incluso muestrean, los sonidos de una naturaleza que, alternativamente, es próspera o en riesgo. En todo momento hay una sensación de asombro por estar solo. Quizás la soledad es una búsqueda subestimada, pero con Inner Song, Owens lo justifica de manera muy convincente.

28) Lady Gaga - Chromatica

Musicalmente hablando, Chromatica es un regreso al tipo de pop grande y descarado que Gaga apenas ha tocado desde 2013 (con la posible excepción de “Perfect Illusion”, el atípico débil de Joanne). Rechazando los golpes escasos, pasivo-agresivos que han proliferado en la corriente principal del pop mientras Gaga ha estado alejado de él, el álbum tiene ritmos que te golpean en la cabeza. Para 16 pistas, apenas toma aliento.

27) Jessie Ware - What’s Your Pleasure?

Como sugiere el título, What’s Your Pleasure? de Jessie Ware no es un álbum tímido, aunque podría enviarte un guiño tímido antes de pedir tu número. El cuarto disco de la cantante nacida en Londres es un brillante himno al abandono hedonista del funk y reúne a un equipo de músicos que comparten su amor por el buen ritmo. What’s Your Pleasure? revela la magia que ocurre cuando un artista se siente verdaderamente libre.

26) Everything Everything – Re-Animator

En su quinto y mejor disco, Re-Animator, Everything Everything se aleja de sus diatribas políticas pasadas y explora la mente humana. Los celestiales “Planets” construyen hacia el tierno “Birdsong”, un momento de claridad en un álbum que rara vez se queda quieto. Re-Animator reúne la ansiedad y la paranoia globales, pero también la belleza de la naturaleza, en canciones exquisitamente elaboradas. Un álbum magnífico.

25) Rina Sawayama - Sawayama

Sawayama toma la música que Rina Sawayama escuchó mientras crecía en el norte de Londres y la reformatea a través de un prisma ecléctico de hoy en día. El álbum deja en claro su atrevimiento desde el principio con la fascinante "Dynasty", una de las favoritas en vivo entre sus leales "Pixels" (sus seguidores), que fusiona el nu-metal al estilo Evanescence y un brillo pop. Las guitarras son aún más abrasivas en el agresivo “STFU!”, Una respuesta al racismo que ofrece sus letras más punzantes en voces endulzadas. Sawayama apuesta por el reclamo del joven de 29 años como una de las voces más audaces del pop actual.

24) Thundercat : It Is What It Is

“Baila lejos del dolor”, canta Thundercat en Miguel's Happy Dance. "Va a estar bien, solo haz el jodido baile". A pesar de sus complejas estructuras y ritmos zigzagueantes, esta música es completamente humana, pasando de una sensación de dolor casi claustrofóbica a una contemplación más profunda de la mortalidad. El artista nacido Stephen Bruner reconoce que no puede cambiar las cosas, pero al mismo tiempo legitima su propia lucha por aceptar eso. No todas las cosas deben entenderse.

23) Empress Of – I’m Your Empress Of

I'm Your Empress Of es una declaración audaz de la individualidad de Lorely Rodríguez, que hace referencia a su herencia hondureña, pero también a su claro amor por la música electrónica y el house de Chicago. Ya sea por la charla de fondo en "U Give It Up", o la euforia que se apodera de su ágil voz en "Awful", este es un álbum que está lleno de vida.

22) Bruce Springsteen - Letter to You

Springsteen tenía la intención de hacer una gira justo después del lanzamiento de este álbum. Obviamente, se han desconectado esos planes por ahora, pero para aquellos que pierden la electricidad de la música en vivo, la conectividad experimentada Letter to You ofrece algo muy parecido. Ofrece la comunión de la música como una forma de superar la miseria material. “Hermano y hermana, donde sea que estés”, canta, de una manera que te hace sentir su mano en tu hombro.

21) Phoebe Bridgers - Punisher

Punisher es poético y prosaico, como un camino polvoriento por un camino de tierra. Colaborar en EP con Julien Baker, Lucy Dacus y Conor Oberst ha agudizado y ampliado la composición de Bridgers. Hay espacio para respirar, pero nunca ningún espacio vacío en sus canciones, en las que aparecen todos los artistas antes mencionados. El álbum termina con una tormenta de metales y tambores maníacos y discordantes y un grito de dolor, la culminación física de la corriente subterránea de fatalidad que acecha en todo momento, pero emerges sintiéndote no desinflado sino purgado. Punisher tiene el efecto de un masaje particularmente fuerte.

20) Megan Thee Stallion - Good News

Megan Thee Stallion todavía se estaba recuperando de una herida de bala cuando soltó Good News, un debut sorpresa que reafirmó todo lo que los fanáticos ya sabían que era. Segura, descarada y frecuentemente triunfante, Good News fusiona la naturaleza incontenible de la rapera de Houston con su musicalidad inherente. Ella aborda el tiroteo, supuestamente por Tory Lanez, luego avanza rápidamente, mientras se niega firmemente a atender las tendencias del hip hop 2020. Este es un álbum que resistirá la prueba del tiempo.

19) Fontaines DC - A Hero’s Death

Fontaines DC es una banda muy consciente de lo buenos que son, pero también desconfían del daño que la exageración hace a los artistas que aspiran a la longevidad. Esto sucede en su segundo álbum, A Hero's Death, escrito inmediatamente después de que se completara el debut nominado al Premio Mercury de cinco piezas formadas en Dublín, Dogrel. En “Living in America”, lleno de comentarios, el líder Grian Chatten deja en claro su desconfianza hacia los críticos aduladores, mientras que “You Said” expone las vulnerabilidades de la banda en la losa mortuoria. Es un alivio descubrir que, a pesar de las propias dudas de Fontaines DC, todavía tienen mucho más que decir.

18) The Avalanches – We Will Always Love You

Robbie Chater y Tony Di Blasi, muy versados en dar nueva vida a artistas muertos a través del poder resucitador del muestreo, han forjado We Will Always Love You como una exploración madura de su concepto de “voces para siempre”. Han moderado su ambiente juvenil de fiesta para contemplar temas de la otra vida y la profundidad cósmica. El resultado es un viaje de 70 minutos hacia el gran más allá del sonido.

17) J Hus - Big Conspiracy

Donde el debut de Hus en 2017, Common Sense, estuvo imbuido de una encantadora sensación de despreocupación, Big Conspiracy es inquietante y cansada. Te lo imaginas mirando por encima del hombro en el sedoso "Helicóptero"; su murmullo se mezcla con el ritmo hipnótico del artista invitado iceè tgm, mientras un anzuelo de bajo hosco se esconde bajo ellos. Ser víctima de la filtración de un álbum no despojó a Big Conspiracy de su potencia. “Sé que mi piel luce fresca, pero vengo del barro”, predica Hus sobre el inspirador y más cercano “Deeper than Rap”, que aborda sus propios defectos y los de la sociedad. Big Conspiracy es la segunda oportunidad de Hus, un álbum que demuestra que es una parte tan esencial de la música del Reino Unido hoy como lo era hace tres años.

16) Róisín Murphy - Róisín Machin.

Hay una tensión deliciosa que recorre el sudoroso álbum en solitario de Róisín Murphy, Róisín Machine. “Simulation”, la épica proto-house de un abridor, es la mejor carrera basada en ritmos de bombeo; “Kingdom of Ends” es un tributo al fallecido teórico cultural Mark Fisher, quien una vez describió a Murphy como la “princesa exiliada del glamour” del pop. Aquí, ella cumple la visión de Fisher de ella, como el más raro de los artistas capaces de equilibrar lo inteligente con lo superficial. Ella se deleita con eso, insaciable en “Something More” y luego enamorada de “Game Changer”. Como siempre, Murphy siempre va un paso por delante.

15) Grimes - Miss Anthropocene

Grimes ha descrito sucintamente su tercer álbum de gran sello, Miss Anthropocene, como la historia de "la diosa antropomórfica del cambio climático", que es un "demonio/reina de belleza psicodélico que habita en el espacio y disfruta del fin del mundo". En ejecución, no es tan agotador. Ve a Grimes sacar de muchos de los sonidos que la han convertido en una de las artistas más ingeniosas del pop, su voz elástica y fibrosa sobre los sintetizadores de rock industrial, la guitarra acústica y chirridos y gorgoritos de chicle. En su caos está su propio sentido de extraña cohesión.

14) Bill Callahan - Gold Record

Bill Callahan ha estado estableciendo una relación más cálida y abierta con el mundo desde 2007, lanzando el exuberante y romántico álbum Dream River en 2013, el cineasta de bodas convertido en terapeuta Hanly Banks en 2014 y convirtiéndose en el padre de un niño al que bautizó como "Bass" poco después. Canciones como Cowboy, en la que Callahan canta con sopor de una vida sencilla que solo requiere “whisky, agua, tortillas y frijoles”, dan la sensación de que él mira hacia atrás con indulgencia a una versión más joven de sí mismo. Su voz se mantiene firme y paciente contra una guitarra, un silbido y una trompeta occidental de espaguetis. Es un pequeño nido de canciones hábilmente tejido y con suaves plumas.

13) Run the Jewels – RTJ4

RTJ4 es la culminación de los casi 30 años de experiencia del dúo de hip-hop, durante los cuales han observado, escuchado y reaccionado. Su ira, dolor, euforia y amor, junto con su capacidad casi psíquica para leer y expresar los pensamientos de los demás, construyen el radioactivo “A Few Words for the Firing Squad (Radiation)”, el ápice asombroso del álbum. De las cuerdas amenazadoras y los golpes de batería influenciados por el thrash surgen los agudos chirridos de un saxofón, un saludo al blues que se desvanece y luego cambia a un estribillo vibrante. “Hay una granada”, aúlla la leyenda del gospel Mavis Staples. Run the Jewels ha tirado del alfiler.

12) Mac Miller - Circles

Al igual que Swimming de 2018, aclamado por la crítica, Circles está empapado de ritmos lánguidos y sintetizadores vibrantes, solo que aquí, el fallecido rapero de Pittsburgh Mac Miller parece más en paz consigo mismo. Se abre en la pista principal moteada por el sol, la guitarra eléctrica vibrando en un gancho de balancín. Hay mucha fantasía en “Complicated”, ya que Miller canta cielos nublados sobre sintetizadores cargados de fuzz psicodélico; Mientras tanto, en el alegre y sombrío "Good News", afila los dientes para recordar el mordaz mordisco de Randy Newman. En Swimming estaba a la deriva, buscando un rayo de luz que lo llevara de regreso a “un lugar de confort”. En Círcles publicado póstumamente, parece que, aunque solo sea por un breve momento, lo encontró.

11) Bad Bunny - YHLQMDLG

El artista puertorriqueño Bad Bunny se afirma a sí mismo como un pionero del pop latino al ahondar en su pasado en su segundo y magnífico álbum en solitario. Abriendo con un tema que samplea “La chica de Ipanema” de Antônio Carlos Jobim, el rapero y cantante pasa a reclutar figuras del reggaetón como Daddy Yankee y Ñengo Flow. Donde otras estrellas latinas se han apegado a viejos estereotipos, Bad Bunny los cambia, abordando el doble rasero en “Yo Perreo Sola”, sobre una mujer que quiere bailar sola sin ser acosada. Y la producción es sobresaliente, permitiendo que la mezcla de influencias del disco cree un ambiente de fiesta sin perder su cohesión.

10) Taylor Swift - Folklore

El álbum de Taylor Swift de 2019, Lover, fue una especie de regreso a sus exuberantes y románticas composiciones de antaño. Esas canciones eran visiones de la primavera en rosa pastel y violeta, después de las tormentas invernales que asolaban Reputation. Folklore, entonces, es el calor del final del verano, donde prosperan el enamoramiento y la nostalgia; el aroma del humo de leña y el vino tinto flota en el aire. Escrita y grabada de forma aislada, incluye colaboraciones con los "héroes musicales" de Swift: Aaron Dessner de The National, Bon Iver y su frecuente socio compositor y coproductor Jack Antonoff. Aquí no hay éxitos del pop, solo poesía exquisita basada en piano.

9) Adrianne Lenker - songs

Tanto las songs como los instrumentals, los dos álbumes en solitario de Lenker de 2020, la tenían tan cerca de la naturaleza que se tumbaba en el suelo mientras grababa. En "come", el sonido de la lluvia golpeando el techo de la cabina en la que grabaron precede al choque de agua fría de la voz inquietante de Lenker, entregando letras duras como últimos ritos. “Zombie girl” tiene campanillas de viento y canto de pájaros, ya que Lenker evoca las hermosas frases de Bonnie Raitt. Songs fue creado porque Lenker estaba, como ella dice, "en un nivel completamente nuevo de dolor de corazón". Es insoportable en su honestidad, incluso para Lenker, quien apenas es conocido por rehuir sus sentimientos. Ahora descubre su dolor con total abandono. Es bastante extraordinario.

8) Sufjan Stevens - The Ascension

Sufjan Stevens se vio obligado a dejar gran parte de su equipo almacenado cuando una plaga de ratas lo obligó a mudarse de su estudio de Nueva York a Catskills, donde notó que los lugareños adoptaron una filosofía de "mantenerse positivo/hacer el trabajo". Así que los amantes de las letras literarias y extravagantes de Stevens notarán que muchas canciones en The Ascension orbitan alrededor de clichés. La pista de apertura se llama "Make Me an Offer I Can’t Refuse". Otros se llaman "Die Happy" y "Run Away with Me". Como gran fan del álbum de 2015 exquisitamente personal y musicalmente detallado de Stevens, Carrie & Lowell, no estaba seguro de que me encantaría el nuevo y alucinante sonido Macro. Pero me quedé maravillosamente ingrávido por un viaje que ofrece galaxias enteras de matices en un contexto universal. Créame: la fuerza es fuerte en este.

7) HAIM - Women in Music Pt III

Mejor conocidas por su sonido soleado y endeudado con el rock clásico, las hermanas californianas Haim han recorrido un camino oscuro para hacer su tercer álbum. Así que podrías esperar que Women in Music Pt III sea una bebida más difícil que la burbujeante cerveza ámbar del festival de los dos primeros lanzamientos de la banda. Pero, mientras incorpora nuevos sonidos refrescantes, resulta poseer un sonido efervescente sorprendentemente tranquilo, que refleja la diversión sin miedo que las hermanas se sorprendieron al experimentar al liberar esos sentimientos incómodos. Esto funciona mejor en temas que abordan la depresión como "Now I'm In It" y el destacado "I Know Alone", cuyos turbios fallos y pulsos de neón tienen el noir nocturno de The Weeknd en el espejo retrovisor. Haim nos lleva por un lugar oscuro y lo hacen con franqueza. Pero nunca dejaron caer el impulso. Y nunca pierden de vista la luz al final del túnel.

6) Perfume Genius – Set My Heart on Fire Immediately

A lo largo de los años, Perfume Genius ha perfeccionado un estilo decadente y sensual de pop-rock. Con el productor de confianza Blake Mills (Fiona Apple, Laura Marling), el artista nacido Mike Hadreas asegura que todas y cada una de las notas de su nuevo álbum, Set My Heart on Fire Immediately, aterrizan con una precisión devastadora. Estas 13 pistas son obras de arte finamente elaboradas que obtienen tanta influencia de Purcell y Mozart como del scuzzy post-punk de los noventa. En “Jason”, contra el campo gentil de un clavicordio, adopta una ternura maternal cuando se enfrenta a la inexperiencia y el desprecio de sí mismo de otro. Hay un hilo plateado tejido en cada una de estas canciones; Hadreas tira y se mueven como una sola cosa que respira, tal como lo hacen los cuerpos cuando se presionan unos contra otros y luego se sueltan.

5) Moisés Sumney - Grae

Lanzado en dos partes, Grae se ramifica en temas de masculinidad, encapsulado por el propulsor "Virile", donde un contraste satisfactorio de texturas incorpora un zumbido gruñido, una flauta suave y la voz angelical de Sumney. Cuando el álbum pasa a su segunda parte y se vuelve hacia adentro con un ritmo más lento para igualar su introspección vulnerable, no hay sacudida: la voz de Sumney asegura que sus paisajes sonoros se funden. Los adornos de flauta de jazz y metales añaden calidez a “Two Dogs”, que muestra las acrobacias de su voz mientras se deslizan sin esfuerzo desde el vibrato de falsete hasta el rico barítono. Y el ensueño eufórico de "Bless Me", ¿podría haber un crescendo más celestial envuelto en un evangelio en el que concluir esta asombrosa hazaña?

4) Laura Marling - Songs for Our Daughter

Los álbumes anteriores de Laura Marling se han basado en una narración evocadora, sus aireadas meditaciones sobre el amor, la edad y la experiencia en contraste con los paisajes pastorales de la guitarra. No en vano fue aclamada, en más de una ocasión, la voz de una generación. Más sutil que sus trabajos anteriores, la música de Songs for Our Daughter es tan fragmentada y hermosa como un vitral.

A estas alturas, los fanáticos están más que familiarizados con la virtuosa forma de tocar la guitarra de Marling y la forma en que puede saltar de la vibrante música americana de los setenta a la hábil selección del folk tradicional inglés. "Últimamente, he estado pensando en nuestra hija envejeciendo/Todos los tonterías que le podrían decir", canta, mientras los violines cortesía de Rob Moose (The National, Bon Iver) hacen de esto en parte una elegía por sus propias experiencias. Qué maravilla es este álbum.

3) Waxahatchee - Saint Cloud

Siempre hay algo que atempera la belleza de la música de Waxahatchee. Lo digo como un cumplido: en el quinto álbum del cantautor estadounidense, Saint Cloud, las melodías deliciosas se ven socavadas por una inquietud persistente, el sentimentalismo por la dureza.

El glorioso "Fire", que comienza con lastimeras notas de teclado, podría haber sido descrito como "encantador" si se cantara una octava. Tal como están las cosas, con Waxahatchee (nombre real Katie Crutchfield) extendiéndose hasta los límites superiores de su rango, su voz suena como una cerilla que se enciende. Su entrega lolloping en “Lilacs” - “y las lilas bebieron el agua / y las lilas mueren / y las lilas bebieron el agua / marcando el lento, lento, lento paso del tiempo” - es Bob Dylan a través de Lucinda Williams. En "The Eye", que suena como el sol saliendo, Crutchfield profesa: "Tengo un don, me han dicho, para ver lo que hay".

2) Dua Lipa - Future Nostalgia

El sensacional segundo álbum de Dua Lipa Future Nostalgia canaliza las vibrantes ambiciones eléctricas de la década de 1980 con una frescura notable, dado que el resurgimiento de la década ha durado aproximadamente el doble que el período original. Sus guiños a Madonna, Olivia Newton John, Prince, Debbie Harry y Nile Rodgers son directos y sin pestañear, afortunadamente libres de la ceja levantada de la ironía que tan a menudo se usa para dar a los sonidos retro un efecto moderno.

Mantiene un dominio con guantes de cuero sobre los sintetizadores extravagantes en "Levitating" y "Hallucinating" y los ruidos espaciales de gel de lentejuelas y brillantina de "Cool", en los que canta "ardiendo en ti / En control de lo que hago / Y me encanta la forma en que te mueves". Es estimulante escucharla usar muestras como pesas, levantar y flexionar con ellas, no bailar alrededor de ellas como bolsos ornamentales. Pero también me encanta su uso del riff sexy tartamudeante del clásico booty-call de INXS "Need You Tonight" en "Break My Heart". Puede imaginarse a familias enteras bailando juntas mientras las coordenadas musicales de los niños y los padres se cruzan.

1) Fiona Apple - Fetch the Bolt Cutters

El quinto álbum de Fiona Apple, Fetch the Bolt Cutters, trata sobre "mujeres", dice, y "no tener miedo de hablar". Ella nunca lo ha sido. Desde que estalló con su álbum debut Tidal en 1996, rechazando rápidamente el sórdido abrazo de la industria en forma de un discurso mordaz en los MTV Video Music Awards, Apple ha hecho música que es tan feroz y poderosa como un hierro de marca sobre lino blanco y fresco. Sus canciones tienen el siniestro drama de un musical de Sondheim, la técnica de una sinfonía clásica tocada al revés y el poder titánico de una canción pop.

El nombre de una línea pronunciada por Gillian Anderson en el drama de la BBC The Fall, Fetch the Bolt Cutters no es diferente. Los descantos maníacos, los pianos discordantes y los cambios abruptos en el compás se complementan y compiten entre sí en un estrépito cuidadosamente elaborado.

Este es un álbum lleno de desafío. Quizás nunca más que en “Under the Table”, donde advierte: “No me presiones, no me empujes”. "Patéame debajo de la mesa todo lo que quieras", sonríe en el estribillo. "No me callaré". Es Bueno.