De ‘Like a Prayer’ a ‘Dark Side of the Moon’: Los 40 mejores álbumes para escuchar en el aislamiento

¿Cuándo fue la última vez que escuchaste un álbum antiguo de principio a fin? Con nuestros oídos listos para moverse desde la muerte del CD, solo los fetichistas del vinilo parecen seguir haciéndolo. En consecuencia, podemos terminar creyendo que tenemos opiniones sólidas sobre registros a los que quizás nunca hayamos prestado nuestra atención honesta y sostenida. No quería incluir Dark Side of the Moon de Pink Floyd . Luego se lo puse a mi hijo de nueve años, que no comparte nada de mi bagaje cultural. Al verlo volar su mente, cambié la mía.

Entonces. Esta lista está diseñada para cualquier persona interesada en extender su capacidad de atención auditiva y desafiar genuinamente sus ideas preconcebidas. Hemos incluido clásicos y no tan clásicos, porque "listar" también puede significar inclinarse.

La mayoría de nuestros favoritos personales no están aquí, porque hemos intentado elegir los discos que abrieron nuevos caminos en lugar de aquellos que refinaron los viejos sonidos. Con suerte todavía se puede sentir la electricidad de la invención en Revolver de los Beatles, It Takes a Ntaion of Millions to Hold Us Back de Public Enemy y en Illmatic de Nas. Ojalá puedas escuchar la influencia de estos álbumes en algunos de tus favoritos. Con suerte, usará la sección de comentarios para decirnos qué te sorprendió y qué confirmó tus sospechas. Helen Brown

The Velvet Underground & Nico (1967), The Velvet Underground

Fue Andy Warhol quien quería que Lou Reed y John Cale dejaran que su nuevo y hermoso amigo Nico cantara con su banda de rock de vanguardia. A decir verdad, sin embargo, el propio Victor Frankenstein no podría haber cosido una criatura con partes del cuerpo más desiguales que este álbum.

Comienza con el glockenspiel de un niño y termina con una retroalimentación ensordecedora, ruido y distorsión. La primera cara, la pista uno, “Sunday Morning”, es una balada melancólica que encaja con una genial cantante europea cantada por un arisco de Brooklyn. "Venus in Furs" es un zumbido tintineante y de bordes irregulares sobre una paliza sexual que no se da a la ligera. "I'll Be Your Mirror" es una canción de amor. “European Son” es rock'n'roll convertido en onda de choque sónica. Eso es incluso antes de empezar con la canción sobre la compra y la inyección de heroína que David Bowie escuchó en una prueba de impresión y llamó "el futuro de la música". Medio siglo después, todo lo que tienes que hacer es pasar electricidad a través de The Velvet Underground & Nico para darte cuenta de que tenía razón. Chris Harvey

I Never Loved a Man the Way I Love You (1967), Aretha Franklin

Cuando Jerry Wexler contrató a la hija de un predicador violento y mujeriego para Atlantic Records, “la llevó a la iglesia, la sentó al piano y la dejó ser ella misma”. La Reina del Soul se dio a sí misma el mismo espacio. Puedes escuchar como ella escucha a la banda, esperando su momento antes de disparar su voz para exigir “RESPETO”, 50 años antes del movimiento #MeToo. HB

Master of Puppets (1986), Metallica

A pesar de no presentar ningún sencillo, el tercer álbum de Metallica fue el gran avance de la radio de rock del Reino Unido que habían estado buscando. En 1986, lanzaron uno de los mejores discos de metal de todos los tiempos, que trataba sobre la potencia y la naturaleza misma del control, mezclando la belleza y la cruda fealdad humana en temas como “Damage Inc” y “Orion”. Este álbum trata de contar historias: las púas de guitarra de influencia medieval en el abridor "Battery" deberían ser suficientes para decirte eso. Aunque esas fueron realmente las únicas imágenes medievales que evocaron: arrancaron los clichés de Dungeons & Dragons de las letras y los reemplazaron con el apocalipsis, con el bajista Cliff Burton, el baterista Lars Ulrich, el guitarrista Kirk Hammett y el cantante / guitarrista James Hetfield como los cuatro jinetes. Roisin O'Connor

Remain in Light (1980), Talking Heads

"Los hechos son simples y los hechos son claros / Los hechos son perezosos y los hechos llegan tarde ...", cantó David Byrne, sumergiendo las ansiedades personales y planetarias sobre las noticias falsas y el consumo conspicuo en capas y bucles de funk endeudado por Afrobeat. Los polirritmos propulsivos se oponen a las súplicas líricas para que nos detengamos y hagamos balance. Está igual que siempre. HB

Catch a Fire (1973), Bob Marley and the Wailers

El álbum que llevó la música reggae a los cuatro rincones del mundo y convirtió a Bob Marley en una superestrella internacional también marcó el tono político para muchos artistas a seguir. Marley cantó sobre la vida “donde vivir es más difícil” en “Concrete Jungle” y miró hacia atrás al innoble pasado esclavista de Jamaica: “Sin cadenas alrededor de mis pies, pero no soy libre”. Él llenó el álbum con hermosos números melódicos, como “High Tide and Low Tide”, y pistas de baile rítmico como “Kinky Reggae”. Lanzada fuera de Jamaica por Island Records con sobregrabaciones de guitarra y ornamentación, la versión original de Jamaica es una obra maestra simplificada. CH

Revolver (1966), Los Beatles

Unas 220 horas sin precedentes de experimentación en el estudio vieron a George Martin y The Beatles repitiendo, acelerando, desacelerando y enrollando cintas al revés para crear un nuevo sonido terriblemente alucinante. El doloroso enigma de "For No One" de McCartney y la psicodelia de "Tomorrow Never Knows" y "She Said, She Said" de Lennon aún pueden dejarlo hipnotizado sobre el vinilo giratorio, preguntándose si la música está saliendo o siendo absorbida. HB

Like a Prayer (1989), Madonna

Puede que sea el álbum más "serio" que haya hecho, pero Like a Prayer también es Madonna en su forma más accesible, sin tapujos en temas desde la religión hasta la disolución de su matrimonio. En 1989, su vida personal fue comida de los tabloides: un matrimonio tumultuoso con el actor Sean Penn finalmente terminó en divorcio, y ella estaba causando controversia con el video "Like a Prayer" y sus cruces en llamas.

En el evangélico abandono de la canción principal, deja sin aliento al oyente con su pura ambición. Donde sus discos pasados habían sido reflejos de la música moderna que la influyó, Like a Prayer la vio rendir homenaje a bandas como Sly & the Family Stone y Simon & Garfunkel. El álbum también trataba de una artista que tomaba el control de su propia narrativa, después de lanzar discos que pedían a la audiencia, y a la prensa, que le gustara. RO

Led Zeppelin IV (1971), Led Zeppelin

Los millennials que vienen a este álbum pueden terminar sintiéndose como el tipo que vio a Hamlet y se quejó de que todo eran citas. Los riffs gigantes de Jimmy Page y los lamentos hedonistas de Robert Plant establecen el punto de referencia para todo el rock pesado y hedonista posterior. Pero vale la pena jugarlo todo para experimentar el ritual místico y monolítico completo del juego. HB

The Best of the Shangri-Las (1996), El Shangri-Las

Oh no. Oh no. Oh, no, no, no, no, nunca nadie rompió el corazón de los adolescentes como el Shangri-Las. Mucho antes de que las Spice Girls empaquetaran la actitud para el consumo popular, la compositora Ellie Greenwich estaba teniendo problemas con un grupo de adolescentes que habían crecido en una zona difícil de Queens: “con sus gestos y lenguaje, y masticando chicle y las medias rotas en sus piernas ”. Pero el Shangri-Las cantó con un ardor tan astuto, apasionado y crudo que todavía se extiende por más de medio siglo sin perder nada de su poder. “Leader of the Pack” (coescrito por Greenwich) puede ser su canción más conocida, pero nunca fue un acto novedoso. Esta recopilación los captura en su pico de principios de los sesenta. CH

The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972), David Bowie

Extravagancia, exceso, excentricidad: este es el álbum revolucionario que afirmó a Bowie como el nuevo ícono del glam rock, superando a T Rex. Puede que haya llegado a lamentar su personaje de Ziggy Stardust, pero con él, Bowie trascendió a los artistas que buscaban la autenticidad a través de medios más mundanos. Fue su álbum más ambicioso, musical y temáticamente, que, como Prince , lo vio unir sus mayores fortalezas de trabajos anteriores y sacar uno de los grandes álbumes de rock and roll sin perder el sentido del humor, ni las ganas de seguir entreteniendo a su aficionados. “Salgo a entretener, no solo a subir al escenario y tocar algunas canciones”, declaró. “Soy la última persona en fingir que soy una radio. Prefiero salir y ser un televisor en color ". RO

Unknown Pleasures (1979), Joy Division

En su breve carrera, terminada por el suicidio del cantante de 23 años Ian Curtis, Joy Division creó dos candidatos al mejor álbum de todos los tiempos. Closer puede ser una floración final, pero Unknown Pleasures es más tonalmente consistente, completamente diferente a cualquier cosa antes o después. El estado de ánimo es una oscuridad negra como la tinta que todo lo impregna, pero hay una fuerza espiritual que sale de los surcos que va mucho más allá del pop o el rock, que se siente casi dostoievskiano. Hay canciones clásicas - "Disorder", "She's Lost Control" y "New Dawn Fades" - y para aquellos que cambiarían cada nota que Eric Clapton alguna vez tocó por una de las líneas de bajo de Peter Hook, la secuencia a las 4:20 en "I Remember Nothing ”es quizás el momento más emocionante de todo el catálogo de Joy Division. CH

Hejira (1976), Joni Mitchell

Aunque su álbum de 1971, Blue, suele ser elegido para este tipo de listas, Mitchell superó a su folk plateado y desconsolado cinco años después con un disco que la encontró cuestionando con seguridad sus expectativas culturalmente condicionadas de la feminidad. Frente a un paisaje ambiguo y de jazz, su voz profunda y difícil sopesa el romance y la domesticidad frente a la aventura de las “almohadas extrañas” y la soledad. HB

Body Talk (2010), Robyn

La respuesta a si Robyn podría seguir la brillantez de su álbum homónimo de 2005 llegó en una explosión de lanzamientos en 2010, los EP Body Talk Pt 1, Pt 2 y Pt 3 , y este esfuerzo de 15 pistas, esencialmente un álbum recopilatorio. Incluye diferentes versiones de algunas pistas, como la versión no acústica de "Hang With Me" (y podemos discutir toda la noche sobre esa), pero deja bien en paz cuando se trata de la mejor pista de baile electrónico más grande desde "I Feel Love ”,“ Dancing On My Own ”. Body Talk está simplemente repleto de grandes canciones. CH

Off the Wall (1979), Michael Jackson

"Estudiaré y miraré hacia atrás en todo el mundo del entretenimiento y lo perfeccionaré", escribió Jackson cuando cumplió 21 años y se sacudió su linda y controlada imagen de estrella infantil para lanzar su jubiloso cuarto álbum en solitario. Producido por Quincy Jones, el sofisticado disco funk logra el equilibrio entre los ritmos tensos que hacen vibrar los tendones y la euforia liberada. Magia de bola de brillo. HB

Illmatic (1994), Nas

¿Qué tan bueno puede llegar a ser el rap? Tan bueno como este álbum. Hay álbumes donde el mito puede trascender la música, no en Illmatic, donde Nas saltó a las filas de los mejores MCs en 1994, con un álbum que innumerables artistas desde entonces han intentado, y no han podido emular. Reclutar a los productores más populares (Pete Rock, DJ Premier, Q-Tip, LES y Large Professor) fue un movimiento al que Complex culpó de "arruinar el hip hop", sin dejar de elogiar el récord de Nas, porque tuvo un impacto duradero en el uso de múltiples productores de álbumes de rap.

Nas usó los sonidos de las calles de Nueva York densamente pobladas en las que creció para representar vívidamente esa vida en su música. Escuchas el traqueteo del tren de acero que abre el disco, junto con la cinta de casete que silba el verso de un adolescente Nasty Nas en la canción de 1991 de Main Source "Live at the BBQ": "Cuando tenía 12 años, me fui al infierno por inhalar Jesús." RO

Trans-Europe Express (1977), Kraftwerk

Este es el disco que lo cambia todo. Los sonidos sintetizados que salían de los estudios Kling-Klang de Kraftwerk ya se habían vuelto puros y hermosos en Radio-Activity de 1975, pero en Trans-Europe Express, su sofisticación cambia sutilmente todas las posibilidades futuras. La familiar cualidad de la dulzura humana y la melancolía en la voz de Ralf Hutter se subsume en la máquina a medida que los ritmos se entrelazan y florecen en la mini-sinfonía del lado dos que comienza con la pista principal. Lanzado cuatro meses antes de "I Feel Love" de Giorgio Moroder, Trans-Europe Express influyó en todo, desde el hip-hop hasta el techno. Toda la música electrónica de baile comienza aquí. CH

Kind of Blue (1959), Miles Davis

Con los bocetos de la melodía escritos solo unas horas antes de la grabación, el disco de jazz más vendido del mundo todavía se siente espontáneo e impredecible. El amigo de Davis, George Russell, explicó una vez que el secreto de su jazz tonal era usar cada nota en una escala “sin tener que cumplir con la fecha límite de un acorde en particular”. Kind of Blue es irrepetiblemente genial. HB

Astral Weeks (1968), Van Morrison

“Si me aventurara en la estela, entre los viaductos de tu sueño…” Entrar en esta catedral musical, donde el folk, el jazz y el soul de ojos azules se encuentran siempre es sentir una sensación de asombro. Grabado en solo dos sesiones de ocho horas, en las que Morrison primero tocó las canciones para los músicos reunidos y luego les dijo que hicieran lo suyo, Astral Weeks todavía se siente como si se hubiera hecho ayer. Las letras de la corriente de conciencia de Morrison dentro de la riqueza del entorno acústico (contrabajo, guitarra clásica y flauta) hacen que esto afecte emocionalmente un álbum como cualquier otro de rock y pop . CH

West Side Story Soundtrack (1961)

“La vida está bien en Estados Unidos / Si eres todo blanco en Estados Unidos”, gritan los inmigrantes en este musical apasionado y político que se traslada de Romeo y Julieta a la Nueva York de los cincuenta. La sofisticada partitura de Leonard Bernstein es un crisol de música pop, clásica y latina; Las letras de Stephen Sondheim afiladas como un cuchillo. Una oración sin respuesta por unos Estados Unidos unidos y perdonadores. HB

Sign o’ the Times (1987), Prince

Sign o 'the Times es la obra maestra de Prince de un catálogo de obras maestras: un álbum doble que abarca funk, rock, R&B y, más esencialmente, soul. Es la mayor articulación de sus experimentos alquímicos con la fusión musical: la suma de varios proyectos en los que Prince estuvo trabajando durante su año más creativo y fructífero. En Sign o 'the Times , el bajo es el rey: Prince ya había cimentado su condición de dios de la guitarra en Purple Rain . Hay temas que gotean de sexo y canciones de amor como “Adore”, que sigue siendo una de las mejores de todos los tiempos. Cosido con sumo cuidado, como si estuviera escribiendo una obra de teatro con un principio, un medio y un final, el álbum es un hito tanto en el pop como en el arte. RO

Pet Sounds (1966), The Beach Boys

Atrapado en la resaca psicológica del trauma familiar y todas esas canciones comerciales de surf, Brian Wilson, de 23 años, tuvo un ataque de pánico y se retiró al estudio para escribir esta serie de canciones de ensueño cuyas mareas estructurales los llevaron más allá de las fórmulas preppy de la farmacia. máquinas de discos. Las notas sonoras de vibráfonos y latas de Coca-Cola brillan en las extrañas y tristes ondas de melodía agridulce. HB

Ys (2006), Joanna Newsom

Teje un círculo alrededor de ella tres veces ... Joanna Newsom es descartada por algunos como locamente falsa-ingenua, pero su segundo álbum, antes de que aprendiera la calidad infantil de su voz, puede ser el disco más encantado jamás hecho. A veces, suena como de otro mundo, sentada en su arpa, cantando para sí misma, pero luego una frase te llevará de repente a las profundidades del corazón: “Aún así, querida, te habría acompañado al borde del agua ”.

Los placeres de Ys no son simples ni inmediatos. Las estructuras inusuales de las canciones de Newsom, con sus melodías fragmentadas y los extraños y hermosos arreglos orquestales de Van Dyke Parks, de 63 años, toman tiempo para hacer su magia. Pero una vez que estás hechizado, el hechizo de Ys nunca desaparece. CH

It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back (1988), Public Enemy

El segundo álbum de Public Enemy es el momento de cambio de juego del hip-hop, donde una nueva forma musical que llegó completamente nacida después de años de desarrollo lejos de intrusos externos encontró su voz radical. It Takes a Nation of Millions... sigue siendo uno de los álbumes más poderosos y provocativos jamás hechos, "Aquí hay una tierra que nunca le importó un carajo / Acerca de un hermano como yo", rapea Chuck D en "Black Steel in the Hour of Chaos ”. El productor Hank Shocklee crea un sonido duro a partir de samples que rinden homenaje a grandes del soul como James Brown e Isaac Hayes, y Flavor Flav le da un entusiasmo inconfundible. CH

Dark Side of the Moon (1973), Pink Floyd

Es fácil derrotar a estos progresistas blancos, masculinos y de clase media, con su nave espacial llena de tecnología y sus ambiciones monolíticas. Pero los tambores, los aullidos operísticos y la "silenciosa desesperación" de este álbum conceptual sobre las diversas formas de locura aún resuenan con las partes desequilibradas, abrumadas y alienadas de todos nosotros. Toca fuerte, solo y después del anochecer. HB

The Miseducation of Lauryn Hill (1998), Lauryn Hill

Lauryn Hill elevó el juego para todo un género con este inmenso e innovador trabajo. Cambiando entre dos tonos, agudo y frío, y sensual y ahumado, la ex miembro de Fugees salió del status quo misógino del rap y atrajo a una audiencia fuera del hip hop gracias a su fusión de soul, reggae y R&B, y al reclutamiento de los gustos. de Mary J Blige y D'Angelo.

Su atractivo sonoro tiene mucho que ver con la producción de baja fidelidad y la cálida instrumentación, a menudo compuesta por un rasgado bajo, ajustadas cajas y armonías doo-wop. Pero las influencias del reggae de Hill son las que impulsan el espíritu del álbum: predicar el amor y la paz, pero también hablar en contra de la opresión injusta. Incluso hoy, es uno de los discos más edificantes e inspiradores que existen. RO

Histoire de Melody Nelson (1971), Serge Gainsbourg

El gran cantante y compositor francés probablemente no conseguiría muchos seguidores hoy en día para un álbum conceptual sobre un tierno amor entre su yo de mediana edad y una adolescente a la que tira de su bicicleta en su Rolls-Royce. Pero, musicalmente, este álbum de culto es sublime, una extraordinaria colisión de bajo funk, letras habladas y los arreglos de cuerdas celestiales de Jean-Claude Vannier. “Ballade de Melody Nelson”, cantada por Gainsbourg y Jane Birkin, es una de sus canciones más sublimemente hermosas. CH

In My Own Time (1971), Karen Dalton

No hay nada artificial en la capacidad de Karen Dalton para sacar las entrañas de canciones conocidas y darles un toque seco y agrietado de folk-blues. Expandir los límites emocionales y narrativos de canciones como "When a Man Loves a Woman" de Percy Sledge es justo lo que hizo. ¿Por qué el mundo ha tardado tanto en apreciarla? HB

Let England Shake (2011), PJ Harvey

"Malditos europeos, llévenme de regreso a la hermosa Inglaterra". PJ Harvey puede haber sonado como si estuviera canalizando a Boris y Nige cuando hizo este sorprendente álbum en 2015, pero pocos Brexiteers querrían emprender este viaje con ella. Let England Shake excava profundamente en el suelo de la tierra, donde yacen rejas de arado enterradas esperando ser convertidas en espadas. La muerte está en todas partes, a veces en su forma más visceral: "He visto a los soldados caer como trozos de carne", canta en "Las palabras que provocan el asesinato", "Los brazos y las piernas están en los árboles". Musicalmente, sin embargo, es deslumbrante: Harvey emplea autoharp, cítara, piano Rhodes, xilófono y trombón para crear un sonido folk futurista que es sorprendentemente original pero que casi podría ser de un siglo anterior. CH

Boy in da Corner (2003), Dizzee Rascal

Es asombroso escuchar este álbum y recordar que Dizzee tenía solo 18 años cuando lo lanzó. Ascendiendo en la escena del garaje del Reino Unido como miembro del equipo Roll Deep del este de Londres, el MC nacido en Dylan Mills supuestamente perfeccionó sus habilidades en la producción después de ser excluido de todas sus clases, aparte de la música.

Si quieres tener una idea de lo adelantado que estaba Dizzee en el juego, solo escucha la pista de apertura "Sittin 'Here". Si bien 2018 ha sufrido una serie de sencillos poco entusiastas que juegan con el sentido de nostalgia del oyente por tiempos más simples, hace 15 años Dizzee anhelaba la inocencia de la infancia debido a lo que estaba viendo en la actualidad: embarazos adolescentes, brutalidad policial, sus amigos asesinados. en las calles o perdido por un estilo de vida de delincuencia y dinero en efectivo. Boy in da Corner utiliza ritmos fríos e incómodamente inconexos, sintetizadores que emulan los juegos de arcade y las sirenas de la policía, y el propio Dizzee ofrece compases con su característico graznido agudo. RO

Hounds of Love (1985), Kate Bush

Prueba de que una mujer puede satisfacer su visión artística única y encabezar las listas sin ceder a las expectativas de la industria, la obra maestra de producción propia de Kate Bush exploró la gama extrema de sus emociones oceánicas desde la reclusión de un estudio de vanguardia construido en el jardín de su decimoséptimo aniversario. -casa de campo del siglo. La vulnerabilidad humana de su voz y de los instrumentos tradicionales recibe una carga eléctrica gracias al uso pionero de sintetizadores. Emocionante e inmersivo. media pensión

Blue Lines (1991), Massive Attack

Una versión británica única del hip hop y el soul que continúa influyendo en géneros modernos en auge como el grime y el dubstep, el debut del colectivo de Bristol le dio un nuevo pulso fresco a la arena y el gris de la nación. Puedes oler ceniceros en grasientas mesas de cuchara en el susurro de Tricky y sentir la lluvia en tu rostro en las estimulantes improvisaciones de Shara Nelson. HB

Surfer Rosa (1987), Pixies

Solo se necesitan 20 segundos del tema de apertura "Bone Machine" para darse cuenta de que Pixies y el productor Steve Albini han despojado del sonido del rock'n'roll y lo han reconstruido pieza por pieza. El sonido enojado de la batería de Led Zep, el bajo maduro y la guitarra de hoja de metal directamente de la línea de producción de Detroit de los Stooges se separan y se vuelven a combinar. El sonido de Pixies ya está completo antes de que Black Francis se embarque en una de sus elusivas narrativas de culto pop ("Tu hueso tiene una pequeña máquina"). La tensión entre el salvajismo de su voz y el tono melódico más suave de Kim Deal no alcanzará su equilibrio perfecto hasta su próximo álbum, pero su debut (de larga duración), Surfer Rosa es gigantesco y merece un gran, gran amor. Su “voz alta, tranquila, en voz alta” tectónica de resultarían tan influyente que Nirvana 's Kurt Cobain diría más tarde que ‘fue básicamente tratando de estafar a los Pixies’. CH

Talking Timbuktu (1994), Ali Farka Touré y Ry Cooder

Si alguna vez dudas de la posibilidad de una conversación relajada y respetuosa a través de las divisiones culturales del mundo, entonces date una hora con esta asombrosa colaboración entre Ali Farka Toure de Mali (quien escribió todas las canciones menos una) y Ry Cooder de California (cuya guitarra slide viaja a través de ellos como un peregrino). El desierto se encuentra con Delta Blues. HB

The Great Gospel Men (1993), Varios artistas

En comparación con el blues, se ha subestimado la incalculable influencia de la música gospel en el pop, el soul y el rock'n'roll. Se puede encontrar en todas las canciones de esta brillante compilación de 27 pistas. Si no puede escuchar a James Brown en el abridor pisoteando "Move on Up a Little Higher" del hermano Joe May, no está escuchando lo suficiente.

El camino a Motown de "Lord, Lord, Lord" del profesor Alex Bradford es realmente estrecho, pero aún puede tomar un giro lateral y seguir sus gritos de éxtasis directamente a Little Richard, que los tomó prestados, y a The Beatles, que los copió. de él. Los cambios de acordes en picada en “My Soul Looks Back” de James Cleveland son magníficos. Todas las insustituibles voces del soul, desde Aretha Franklin hasta Bobby Womack, estaban impregnadas de gospel. Este es un gran lugar para saber de dónde vienen. El álbum complementario The Great Gospel Women también es una maravilla. CH

Hopelessness  (2016), Anonhi

"Gran parte de la escena musical es solo un club de chicos que se masturba y se felicita a sí mismo", dijo este artista transgénero con voz de ángel en 2012. Cuatro años después, los tambores sísmicos y la agenda ecofeminista radical de Hopelessness sacudieron los cimientos desmoronados de ese club. . Los horrores de la guerra con drones, la pedofilia y el calentamiento global se muestran a las luces brillantes con una rabia desconcertantemente hermosa. HB

In Utero (1993), Nirvana

Kurt Cobain tenía un objetivo con In Utero : alejar a Nirvana de lo que llamó el sonido "candy-ass" en Nevermind , el álbum que los había convertido en una de las bandas de rock más grandes del planeta, y llevarlos de regreso al punk. rock. Le pidió al productor de Pixies, Steve Albini, que supervisara la producción.

No evitó exactamente el éxito comercial después del lanzamiento (In Utero vendió 15 millones de copias en todo el mundo), pero la pesadez que sintió la banda al grabarlo afecta al oyente desde la pista de apertura. Desanimado por la obsesión de los medios con su vida personal y los fanáticos clamando por la misma mierda de siempre, In Utero es pura rabia sin diluir. “GO AWAYYYYYYYYYYY” grita Cobain en “Scentless Apprentice”, capturando la esencia de la novela Perfume: Story of a Murderer de Patrick Suskind y utilizándola como metáfora de su disgusto por la industria de la música y la prensa. RO

Curtis (1971), Curtis Mayfield

Curtis Mayfield había estado tocando música soul desde las raíces doo-wop con The Impressions durante más de una década antes de lanzar su primer álbum en solitario, que contiene algunas de sus mejores canciones. Si bien algunos señalan a la banda sonora de Blaxploitation de 1972, Superfly, como el álbum definitivo de Mayfield, Curtis es más profundo y alegre, con arreglos complejos magistralmente. El dulce falsete de Mayfield canta las suaves garantías de Nixon sobre el bajo fuzz de "(Don't Worry) If There Is a Hell Below, We All Going to Go"; los tristes cuernos dan al políticamente consciente “Nosotros, la gente que somos más oscuros que el azul” una profunda resaca emocional; "Move On Up" es simplemente una de las canciones más emocionantes del pop. Pasar tiempo con Curtis es estar en presencia de un alma hermosa. CH

Rumours (1977), Fleetwood Mac

Antes de seguir su propio camino, Fleetwood Mac decidió contar una historia que sería el marcador por excelencia de la cultura del rock estadounidense en los años setenta.

Mientras Lindsey Buckingham y Stevie Nicks se lanzaban los restos carbonizados de su relación en "Dreams" y "Go Your Own Way", el resto de la banda evocaba las cálidas armonías de la costa oeste, las relajadas vibraciones californianas de la sección rítmica y los claros agudos de “Gold Dust Woman”, de tal manera que Rumours se convertiría en el sonido definitivo de la época. En el momento de su lanzamiento, era el LP más vendido de todos los tiempos; su éxito convirtió a Fleetwood Mac en un fenómeno cultural. RO

Are You Experienced? (1967), La experiencia de Jimi Hendrix

Un virtual desconocido para los fanáticos del rock apenas un año antes, Hendrix usó Are You Experienced? para afirmarse como un genio de la guitarra que podía combinar pop, blues, rock, R&B, funk y psicodelia como ningún otro artista lo había hecho antes. Eso es incluso sin las contribuciones esenciales del baterista Mitch Mitchell y el bajista Noel Redding, quienes entregaron Are You Experienced? el puente rítmico entre el jazz y el rock.

Pocos abridores de álbumes son tan exquisitos como “Purple Haze”. Pocos temas son tan gratificantes y sexys como el pavoneo de “Foxy Lady”. Y pocas canciones se acercan a la dicha existencial provocada por “The Wind Cries Mary”. El ataque de Hendrix a la guitarra contrastó con el de los virtuosos más pulidos del rock en ese momento; sin embargo, es su cruda ferocidad a la que nos encontramos volviendo. Pocos debuts han cambiado el rumbo de la música rock como lo hizo Hendrix con el suyo. RO

We are Family (1979), Sister Sledge

La gloria culminante del disco es este álbum que Nile Rodgers y Bernard Edwards de Chic hicieron con Kathy Sledge y sus hermanas Debbie, Joni y Kim. Nile y 'Nard estaban en la cima de sus poderes, canciones clásicas brotaban de ellos. We Are Family se lanzó el mismo año que el histórico "Good Times" de Chic, y este álbum tiene cuatro de ellos, “Lost in Música”, ”He’s the Greatest Dancer", “Thinking of You" y la canción homónima. Sister Sledge le dio a Rodgers la oportunidad de trabajar con voces más cálidas y atrevidas que las voces geniales que solía darle a Chic Records con un estilo tan relajado y el resultado es una fiesta de baile que llena el piso, salpicada de baladas suaves. CH